PROGRAMMATION JUIN-JUILLET 2007
Japon, 1999, 3h37, VOSTF
Avec Koji Yakusho, Aoi Miyazaki, Masaru Miyazaki, Yohichiroh Aitoh, Saiuri Kokusho
Avec Koji Yakusho, Aoi Miyazaki, Masaru Miyazaki, Yohichiroh Aitoh, Saiuri Kokusho
A Kyushu, une sanglante prise d'otages traumatise à jamais Makoto et deux enfants, Kozue et Naoki. Ces derniers en restent muets. 2 ans plus tard, sans parents, ils rencontrent Makoto, qui s'installe chez eux avec leur cousin. Soupçonné d'un meurtre, il achète un bus d'occasion et propose aux 3 enfants de partir avec lui. Magnifique road movie mélancolique, Eureka propose comme thérapie au deuil le voyage.
« Kozue et son grand frère, Naoki rescapés d’une prise d’otage tentent peu à peu de se remettre de cette expérience traumatisante sur l’île de Kyushu. D’abord, il y a la largeur des prises de vue que le format scope ne fait que rendre plus puissantes, et plus empreintes d’un souffle élévateur. Ensuite, il y a le choix du noir et blanc tiré sur pellicule couleur qui confère aux images ce ton sépia, à la fois mélancolique et d’une douceur extrême. Et puis au centre de cet amalgame de recherches esthétiques, il y a le récit de trois vies qui n’en font qu’une parce qu’elles ont conflué dans le torrent d’une expérience dévastatrice, "surgie comme une catastrophe naturelle". La caméra les fixe, les approche dans leur douleur muette, les entoure (à la manière de Kiyoshi Kurosawa, dont le réalisateur fut l’assistant et admet s’être beaucoup inspiré), et s’accroche à ces liens invisibles qui persistent à lier les enfants, pourtant enfermés dans le mutisme, entre eux, et au chauffeur du bus. Les images submergent le regard dans l’immensité des plaines sauvages d’un pays a priori tout petit, d’une île, celle de Kiushu. La profondeur de champ, scrupuleusement préservée dans un récit intimiste, permet à l’esprit d’appréhender l’horreur de la douleur avec toute l’espérance que cela doit comporter pour celui qui essaye de continuer à vivre. Ainsi (…), les héros de ce film ne sont que les éléments complémentaires du macrocosme qui les abrite. Et nécessairement le mal qui les habite se répand alors comme une traînée de poudre sur ces espaces sans fin. C’est pour cette dernière raison que le chauffeur de bus, Makoto, n’a d’autres issues que de quitter le domicile familial, de rompre avec ce qui jusqu’ici fut un environnement heureux. Dans la douleur intérieure d’avoir survécu à l’aventure du bus, il y a la fuite, nécessaire pour "recommencer". Or, tel que le lui dit par la suite son ex-femme, il n’était pas possible de recommencer, seulement de continuer. (…) Et c’est peu à peu que les trois personnages, de nouveau réunis dans le rituel du quotidien et non plus dans l’exception de l’événement, réapprennent à sentir. (…) Dans ce nouveau schéma qui s’esquisse, où un frère et une soeur s’unissent à un étranger célibataire, un quatrième personnage prend place. Il est l’élément indispensable à la mémoire du vieil équilibre, c’est-à-dire à la structure mentale. Quatrième du couple parent / enfant, quatrième du face à face meurtrier, quatrième exclu de ce qui lie les trois autres, sorte de témoin. (…) C’est ce que semble dire Kozue, à la fin du film, lorsqu’elle lance au loin des coquillages auxquels elle donne les noms de tous ces personnages. Comme si, bons ou mauvais, il fallait les réunir pour abolir le traumatisme qu’ils portent chacun pour l’enfant. La douleur ne se dit pas. Tout au plus quelques larmes sur le visage de la petite fille. Mais surtout une absence cruelle de mots qui semblent faire écho à la toute première phrase du film : "Un raz-de-marée va venir. Et j’en suis sûre, tout le monde disparaîtra". Dès lors, le réalisateur a habilement recours aux effets visuels les plus révélateurs d’une vie intérieure malgré les mots pour le dire. Et de jouer sur les très gros plans de visage qui succèdent à des paysages sans fin, pour rappeler la douleur (…). Dans ces moments, la durée de la prise est merveilleusement plus longue que de rigueur. Impossible donc d’y échapper et de se laisser porter par les méandres narratifs du voyage. Eux qui d’ailleurs n’auraient pas de sens sans ces intercalations "photographiques". La durée du film, c’est encore le chemin nécessaire pour parvenir à bout de tant de souffrance, parce que rien ne pouvait se résoudre sans la fuite du temps. Le film se construit sur deux parties essentielles : celle de la douleur vécue apparentée au bus meurtrier, et celle de son abolition progressive grâce au voyage dans le nouveau bus. Et même si au cours du voyage, le drame trouve encore la place de s’introduire (…), la fin révèle un achèvement par retour sur le passé et dépassement de celui-ci. Kosue entre dans la mer comme dans l’eau de la grâce chère à Claudel, et semble prendre un souffle nouveau. En arrière-plan, Makoto tient dans sa main le mouchoir maculé du sang qu’il crache, mais sourit pourtant, parce que la jeune fille revit pour eux tous : "Kaerô" (On rentre !) crie-t-il à Kosue. : "C’est l’équivalent du ‘Let’s go home Debbie !’ à la fin de La Prisonnière du Désert, dit Aoyama. Eureka n’en a pas l’air mais en fait c’est un western !". »
Louise Labib, Artelio.
« Dans la première séquence de Eureka, une catastrophe terrifiante bouleverse la vie de trois personnes : un adulte qui devra redonner un sens à son existence, et deux enfants qui n'ont pas encore éprouvé leur volonté de vivre. À l'origine du film de Shinji Aoyama, on retrouve les chocs et traumatismes consécutifs à la vague de violence et de crimes gratuits, comme les attentats au gaz sarin dans le métro de Tokyo, qui a sévi au Japon. Eureka est l'histoire d'êtres humains déstabilisés par un drame fortuit. Dans la douleur, ils s'attachent peu à peu à constituer une sorte de nouveau cercle familial où ils peuvent faire face à l'horreur de leur expérience commune, commencer à reconstruire leur vie et à se libérer du passé. Ce film retrace leur cheminement : un voyage de l'âme, un road-movie intérieur. »
Notes du distributeur
« Kozue et son grand frère, Naoki rescapés d’une prise d’otage tentent peu à peu de se remettre de cette expérience traumatisante sur l’île de Kyushu. D’abord, il y a la largeur des prises de vue que le format scope ne fait que rendre plus puissantes, et plus empreintes d’un souffle élévateur. Ensuite, il y a le choix du noir et blanc tiré sur pellicule couleur qui confère aux images ce ton sépia, à la fois mélancolique et d’une douceur extrême. Et puis au centre de cet amalgame de recherches esthétiques, il y a le récit de trois vies qui n’en font qu’une parce qu’elles ont conflué dans le torrent d’une expérience dévastatrice, "surgie comme une catastrophe naturelle". La caméra les fixe, les approche dans leur douleur muette, les entoure (à la manière de Kiyoshi Kurosawa, dont le réalisateur fut l’assistant et admet s’être beaucoup inspiré), et s’accroche à ces liens invisibles qui persistent à lier les enfants, pourtant enfermés dans le mutisme, entre eux, et au chauffeur du bus. Les images submergent le regard dans l’immensité des plaines sauvages d’un pays a priori tout petit, d’une île, celle de Kiushu. La profondeur de champ, scrupuleusement préservée dans un récit intimiste, permet à l’esprit d’appréhender l’horreur de la douleur avec toute l’espérance que cela doit comporter pour celui qui essaye de continuer à vivre. Ainsi (…), les héros de ce film ne sont que les éléments complémentaires du macrocosme qui les abrite. Et nécessairement le mal qui les habite se répand alors comme une traînée de poudre sur ces espaces sans fin. C’est pour cette dernière raison que le chauffeur de bus, Makoto, n’a d’autres issues que de quitter le domicile familial, de rompre avec ce qui jusqu’ici fut un environnement heureux. Dans la douleur intérieure d’avoir survécu à l’aventure du bus, il y a la fuite, nécessaire pour "recommencer". Or, tel que le lui dit par la suite son ex-femme, il n’était pas possible de recommencer, seulement de continuer. (…) Et c’est peu à peu que les trois personnages, de nouveau réunis dans le rituel du quotidien et non plus dans l’exception de l’événement, réapprennent à sentir. (…) Dans ce nouveau schéma qui s’esquisse, où un frère et une soeur s’unissent à un étranger célibataire, un quatrième personnage prend place. Il est l’élément indispensable à la mémoire du vieil équilibre, c’est-à-dire à la structure mentale. Quatrième du couple parent / enfant, quatrième du face à face meurtrier, quatrième exclu de ce qui lie les trois autres, sorte de témoin. (…) C’est ce que semble dire Kozue, à la fin du film, lorsqu’elle lance au loin des coquillages auxquels elle donne les noms de tous ces personnages. Comme si, bons ou mauvais, il fallait les réunir pour abolir le traumatisme qu’ils portent chacun pour l’enfant. La douleur ne se dit pas. Tout au plus quelques larmes sur le visage de la petite fille. Mais surtout une absence cruelle de mots qui semblent faire écho à la toute première phrase du film : "Un raz-de-marée va venir. Et j’en suis sûre, tout le monde disparaîtra". Dès lors, le réalisateur a habilement recours aux effets visuels les plus révélateurs d’une vie intérieure malgré les mots pour le dire. Et de jouer sur les très gros plans de visage qui succèdent à des paysages sans fin, pour rappeler la douleur (…). Dans ces moments, la durée de la prise est merveilleusement plus longue que de rigueur. Impossible donc d’y échapper et de se laisser porter par les méandres narratifs du voyage. Eux qui d’ailleurs n’auraient pas de sens sans ces intercalations "photographiques". La durée du film, c’est encore le chemin nécessaire pour parvenir à bout de tant de souffrance, parce que rien ne pouvait se résoudre sans la fuite du temps. Le film se construit sur deux parties essentielles : celle de la douleur vécue apparentée au bus meurtrier, et celle de son abolition progressive grâce au voyage dans le nouveau bus. Et même si au cours du voyage, le drame trouve encore la place de s’introduire (…), la fin révèle un achèvement par retour sur le passé et dépassement de celui-ci. Kosue entre dans la mer comme dans l’eau de la grâce chère à Claudel, et semble prendre un souffle nouveau. En arrière-plan, Makoto tient dans sa main le mouchoir maculé du sang qu’il crache, mais sourit pourtant, parce que la jeune fille revit pour eux tous : "Kaerô" (On rentre !) crie-t-il à Kosue. : "C’est l’équivalent du ‘Let’s go home Debbie !’ à la fin de La Prisonnière du Désert, dit Aoyama. Eureka n’en a pas l’air mais en fait c’est un western !". »
Louise Labib, Artelio.
« Dans la première séquence de Eureka, une catastrophe terrifiante bouleverse la vie de trois personnes : un adulte qui devra redonner un sens à son existence, et deux enfants qui n'ont pas encore éprouvé leur volonté de vivre. À l'origine du film de Shinji Aoyama, on retrouve les chocs et traumatismes consécutifs à la vague de violence et de crimes gratuits, comme les attentats au gaz sarin dans le métro de Tokyo, qui a sévi au Japon. Eureka est l'histoire d'êtres humains déstabilisés par un drame fortuit. Dans la douleur, ils s'attachent peu à peu à constituer une sorte de nouveau cercle familial où ils peuvent faire face à l'horreur de leur expérience commune, commencer à reconstruire leur vie et à se libérer du passé. Ce film retrace leur cheminement : un voyage de l'âme, un road-movie intérieur. »
Notes du distributeur
SEANCES
mercredi 13 juin à 20h
samedi 16 juin à 20h
mardi 19 juin à 20h
samedi 16 juin à 20h
mardi 19 juin à 20h
